Tercera proposición pirandelliana. Explicación de González Caballero.

"El viejo conflicto inmanente entre la vida que se mueve continuamente y la forma que la fija inmutable." (1)



González Caballero:

"Aunque esta afirmación de Pirandello tiene un sentido mas bien literario, funciona maravillosamente para el trabajo actoral."

Luigi Pirandello:

"Todo lo que vive por el hecho de vivir, tiene una forma temporal y por lo mismo debe morir, excepto la obra de arte, que precisamente vive para siempre en cuanto tiene forma intemporal" (2)


González Caballero:

"Esta tercera proposición sobre la existencia privilegiada de la vida espiritual se fija en una forma que, es contradictoria y por ello no debe romperse para seguir siendo vida; la obra de arte es el absoluto, la única forma concreta de inmortalidad."

Luigi Pirandello:

"También las formas con las que intentamos fijar este flujo continuo son los ideales con los que quisiéramos ser consecuentes, todas las facciones que nos creamos, las condiciones, el estado en que tendemos a establecernos. Pero dentro de nosotros, en aquello que llamamos alma y que es la vida en nosotros, el flujo continuo indistinto, por otros diques, dentro de los límites que le imponemos al construirnos una consciencia, al edificarnos una personalidad. En ciertos momentos tempestuosos, todas esas nuestras formas ficticias, se hunden miserablemente" (3)



González Caballero:

"El mejor ejemplo con Pirandello es en "Seis personajes en busca de Autor", donde el autor que se ilumina de fantasía es llevado a escribir un problema vida-teatro y crea personajes que según él van a quedar grabados indeleblemente en la historia de la humanidad por siempre y no van a cambiar nunca. Hamlet no envejecerá jamás, así pasen los años y los siglos y se interprete en diez mil teatros durante doscientos años, tendrá la misma edad, le afligirán las mismas cosas, siempre su duda será existir o no existir y nunca la resolverá, de una representación a otra no encontrará avance en la explicación de su duda porque así quedó plasmado para siempre, es decir, no evolucionará nunca.
“El ser humano (no un personaje creado), no es una obra de arte pero pretendería serlo y si lo logra por supuesto sería efímera. La vida no permite la fijación de algo, es evolutiva, fluctuante.
“Pirandello nos propone que el actor sea un artista que pueda crear una obra de arte en un personaje tan formado que será incambiable y su ejecución será llena también de arte; lo fabricará como si fuera una escultura o una marioneta, ¡aún no nos espantemos!: le pintamos los ojos, la cara, sus rasgos, lo vestimos con mucho cariño, pero no queda ahí, Pirandello quiere que le imprimamos un alma afectiva, otra social, otra instintiva y otra moral, quiere que el personaje esté tan lleno de sí mismo que obliga al actor a que lo fabrique desde su nacimiento y hasta el momento en que quedará como una obra de arte, encontrará lo absoluto en su creación, podrá crear al más malo de todos los malos, al más sabio de todos, etc. ¡Absoluto! Y ésto sólo en el arte se puede puesto que en la vida es imposible.

“Sin embargo vuelve el contradictorio Pirandello; nos propuso el absoluto en el arte pero, al crearlos con las almas humanas, acepta la lucha de ellas y exige de ese absoluto la vida, pues sabe que sin ello el personaje no podría ser. ¿Dónde entonces está el absoluto? En Pirandello siempre hay conflicto; pide variedad de grises al mismo tiempo que el blanco puro y el negro puro.

"¿Y qué hacemos nosotros? ¡Tratemos de darle gusto en todo! Pide una obra de arte, ¡hagámosla!; pide que un personaje esté tan bien construido que el actor quede en un porcentaje mínimo, ¡hagámoslo!; pide que la creación artística absoluta posea las contradicciones de la propia vida, ¡hagámoslo!”




(1) "il tragico conflitto immanente tra la vita che di continuo si muove e cambia e la forma che la fissa, immutabile."
(2) (3) Prólogo a “Seis personajes en busca de autor”.

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Una entrevista sobre el Realismo: ( II ) Shakespeare en el origen del Realismo.

Thomas- "¿Qué ha hecho para poder definir y hablar con tanta seguridad de estas dos corrientes (Naturalismo y Realismo) predominantes según usted, en la actualidad teatral?"

González Caballero: "Ver a través de la propia historia del teatro y del hombre pues no se trabajan estas corrientes basados en el momento histórico sino en sus raíces humanas, lo natural o lo teatral dentro de la conducta de nuestra especie. El primer síntoma concreto del teatro en que yo veo estas manifestaciones está en Shakespeare. En Hamlet hay escenas de ideas, discursos del pensamiento; habla a los cómicos sobre cómo hay que actuar, sobre cómo proceder de una forma falsa, postiza, en cambio, en su monólogo de "ser o no ser" se auto inspecciona, es algo que solo le atañe a él y no se fija en cómo actuarlo, lo siente... sobre la muerte, sobre sus problemas, sobre la gente. En la misma obra encontramos escisiones, momentos realistas y momentos naturalistas: la escena en que vemos a Ofelia presa de la locura es sumamente naturalista, es decir, está tan bien retratada la escena de una mujer que se ha vuelto loca y cómo la compadecen los que la rodean que no está teatralizada,... si no tuvieran esos nombres los personajes o si no fueran nobles podrían ser seres humanos de cualquier estrato con esa situación, Shakespeare aquí no teatraliza de más. El Rey Lear tiene un monólogo durante una tempestad que es una declamación, no es como en Hamlet que se sincera consigo mismo, sino que es una protesta airada, muy teatralizada, es una reflexión titánica, de hacedores de teatro ¡y de un gran teatro! El mismo Shakespeare muestra el Naturalismo y el Realismo junto a la superteatralidad, en Sueño de una Noche de Verano, los cómicos, zapateros y carpinteros que ensayan una obra se comportan como lo que son y en la situación en que están, no como actores ni personajes teatrales, están en la obra con un gran sentido fotográfico; a los príncipes que se casan los vemos con máscaras sociales, "teatrales"; ya dentro del realismo cuando llegan Titania y Oberon nos damos cuenta de que no son reales sino abstracciones, símbolos, y actúan como los que son, fuerzas de la naturaleza; finalmente viene la escena de "teatro dentro del teatro" donde se exponen todas estas realidades. Shakespeare no solo posee una proposición atribuida después a Brecht sino que tiene conciencia del manejo naturalista y realista de la escena, llegando a la profundización del Naturalismo, Supernaturalismo, y el Realismo, como posteriormente propusieron Strindberg y Pirandello respectivamente. Ver después de esto cómo son los demás autores es relativamente sencillo pues empiezan a repetirse ciertas actitudes creadoras en el teatro de ideas, los personajes están conducidos por el autor, tienen grandes clímax, predomina la acción, y las pasiones o los afectos son muy desbordados, en cambio, en el teatro Naturalista hay un medio tono que no existe en el Realismo, el Naturalismo fue una reacción a esa teatralidad y autores como Strindberg se declararon naturalistas en franca controversia y si este término (Naturalismo) no ha sido comprendido o aceptado no es por culpa de ellos. No se le puede llamar Realismo a toda la producción teatral. Está bien que se vayan con la idea de que Realismo es "realidad" y que la palabra llegó antes que Naturalismo pero creo que más que defender un concepto universal inherente a la conducta humana defienden una moda en la historia del arte. Cierto, primero llegaron las obras que simularon la realidad haciéndola teatral pero después vinieron las que no lo simulaban, sino las que hacían una nueva realidad, mucho más real, la naturalidad, el Naturalismo."
Thomas: "Habla de Shakespeare como el artista que desarrolla en su obra la corriente realista entre las demás, y sin embargo usted mismo afirma que el revolucionario realista es Ibsen..."
González Caballero: "Shakespeare no conscientizó a los autores que le siguieron. Se interesaron en él como un gran trágico, quisieron copiarle sus trabajos y lo único que dio este gran autor como influencia posterior fue una generación casi interminable, de 1600 a 1700 y hasta 1800, de trágicos fracasados. Hasta el siglo XIX surgen manifiestos y protestas por tamaña cantidad de tragedias "a lo Shakespeare" con personajes alejados, de países exóticos, diciendo parrafadas enormes acerca de la muerte y filosofando por todos lados. Se cansaron de lo único que se les pudo ocurrir influenciarse por él. El melodrama surge junto a esas protestas y su éxito es enorme. Se produce un nuevo teatro en donde las situaciones son la base, con texto que no dejan filosofando a los personajes sino que les produce acción; el éxito era de esperarse. Después de tantas tragedias alejadas de la nueva época que se vivía... Fuente Ovejuna está en el mismo caso que las obras de Shakespeare, es el primer teatro de ideas reconocido, y el crédito no lo tiene Lope de Vega sino Ibsen porque fue el primero que conscientizó a los que hacían teatro sobre esta manifestación artística. Tanto Chéjov como Ibsen, como Strindberg y Pirandello fueron grandes conscientizadores del teatro; crearon y hablaron de los que les interesaba manifestar y el mundo teatral los escuchó y los siguió, no sin escándalos por supuesto. Shakespeare hizo de todo porque era genial pero no hizo época en su manera de manifestarse en la escena; los autores no lo percibieron por este lado, solo lo admiraron o repudiaron por su obra artística, se deslumbraron con él y otros, pero no siguieron lo que marcaba."

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